แอนิเมชั่นเข้าถึงได้ง่ายแต่ยากที่จะเชี่ยวชาญ มีแอนิเมชั่นหลายสไตล์พอๆ กับแอนิเมเตอร์ และการเริ่มต้นด้วยหนังสั้นเป็นวิธีที่ยอดเยี่ยมในการฝึกฝนเทคนิคแอนิเมชั่นในขณะที่คุณพัฒนาสไตล์ "ลายเซ็น" ของคุณ เช่นเดียวกับภาพยนตร์เรื่องอื่นๆ แอนิเมชั่นต้องใช้เวลา ความอดทน และการวางแผนอย่างมากเพื่อให้ได้สิ่งที่ถูกต้อง แต่ใครก็ตามที่มีคอมพิวเตอร์ก็สามารถสร้างหนังสั้นแอนิเมชันได้
ขั้นตอน
วิธีที่ 1 จาก 3: การสร้างแอนิเมชั่น (ก่อนการผลิต)
ขั้นตอนที่ 1 เขียนสคริปต์
นี้มักจะพูดง่ายกว่าทำ แต่คุณต้องเขียนความคิดของคุณอย่างชัดเจนและจัดโครงสร้างก่อนที่จะเริ่มทำงาน แทบเป็นไปไม่ได้เลยที่จะ "สร้าง" ภาพยนตร์แอนิเมชั่นซึ่งแตกต่างจากการแสดงสด เนื่องจากมันทำให้ทุกอย่างเคลื่อนไหวนานเกินไป คุณสามารถใช้เอกสาร Word หรือซอฟต์แวร์เขียนสคริปต์อย่าง Celtx, Writer Duets หรือ Final Draft สคริปต์ของคุณไม่ต้องการกล่องโต้ตอบ แต่ต้องการ:
-
ธีม.
"ประเด็น" ของหนังสั้นคืออะไร? ไม่จำเป็นต้องยิ่งใหญ่ ลึกซึ้ง หรือซับซ้อน อาจเป็นอะไรก็ได้ตั้งแต่ "การสูญเสียความไร้เดียงสาในวัยเด็ก" หรือ "ความเบื่อหน่ายเป็นสภาวะของจิตใจ" ไปจนถึง "ฉันอยากให้คนอื่นหัวเราะด้วยมุกนี้" คิดว่าเป็นแนวทางสำหรับภาพยนตร์ของคุณ
-
ตัวละคร
อะไรจะดึงดูดความสนใจของผู้ชมของคุณ? นี่อาจเป็นอะไรก็ได้ตั้งแต่คนหรือสัตว์ไปจนถึงเส้นหยัก ๆ เช่นเรื่องสั้นที่ได้รับรางวัลออสการ์ "The Dot and the Line: A Romance"
-
ภาพ
สั้นเกิดขึ้นที่ไหน? อารมณ์หรือบรรยากาศเป็นอย่างไร? บทภาพยนตร์จำเป็นต้องบอกเล่าเรื่องราวของเรื่องสั้นแบบเต็มเพื่อที่จะสามารถใช้เป็นพิมพ์เขียวสำหรับงานในอนาคตได้
-
เป็นจุดเริ่มต้น กลาง และสิ้นสุด
ฟังดูชัดเจน แต่นั่นคือประเด็น -- เรื่องราวเกือบทั้งหมดได้รับการบอกเล่าเป็นสามส่วน เฉพาะเจาะจง หรือแสดงเป็นฉากๆ นี่ไม่ได้หมายความว่าคุณต้องมีเรื่องราวสามองก์ หรือแม้แต่ "ตัวละคร" อย่างไรก็ตาม คุณต้องคิดถึง "การกระทำ" ของหนังสั้นก่อนที่จะก้าวไปข้างหน้า
- องก์ที่ 1 แนะนำตัวละครและปัญหา (พวกเขากำลังหิว โลกกำลังจะจบสิ้น เด็กชายแอบชอบใครซักคน ฯลฯ)
- องก์ที่ 2 ทำให้เรื่อง/ปัญหาซับซ้อนขึ้น (ร้านปิดหมด คนร้ายอาจชนะ คนมีแฟนแล้ว ฯลฯ)
- องก์ที่ 3 ให้การแก้ปัญหา (พวกเขาหาร้านขายแซนด์วิช พวกเขากอบกู้โลก เด็กพบบุคคลอื่น ฯลฯ)
ขั้นตอนที่ 2 ร่างแบบจำลองตัวละคร
ก่อนที่คุณจะเริ่มสร้างแอนิเมชั่น คุณต้องรู้ว่าตัวละครของคุณจะมีหน้าตาเป็นอย่างไร ร่างภาพในท่า เครื่องแต่งกาย และการแสดงออกที่หลากหลายเพื่อให้เข้าใจถึงลักษณะที่ปรากฏ จำไว้ว่าตัวละครสามารถเป็นอะไรก็ได้ในภาพยนตร์แอนิเมชั่น ตั้งแต่หมีไปจนถึงขวดเกลือและพริกไทย ถึงกระนั้น คุณต้องการพัฒนาตัวละครของคุณล่วงหน้าเพื่อให้พวกมันดูสอดคล้องกันเมื่อคุณทำให้พวกมันเคลื่อนไหว
ขั้นตอนที่ 3 วาดกระดานเรื่องราว
สตอรี่บอร์ดคือภาพวาดแต่ละชิ้นสำหรับทุกๆ บิตของการกระทำในสคริปต์ และใช้ในการผลิตภาพยนตร์เกือบทุกเรื่อง ไม่ว่าจะเป็นแอนิเมชันหรืออย่างอื่น ทั้งสองแบบเรียบง่ายและครอบคลุม เนื่องจากคุณต้องการการเปลี่ยนแปลงทุกอย่างที่คุณต้องการในภาพยนตร์ อย่างไรก็ตาม พวกเขาไม่ต้องการรายละเอียดพื้นหลังหรือสี เว้นแต่จำเป็นต่อเรื่องราว คุณสามารถค้นหาและพิมพ์เทมเพลตกระดานเรื่องราวได้ฟรีทางออนไลน์ หรือจะวาดเองก็ได้ แต่ละเฟรมของกระดานเรื่องราวมีสองส่วน:
-
รูปภาพ:
ในกล่องสี่เหลี่ยม ให้วาดการกระทำหลักของช็อตโดยไม่สนใจภาพพื้นหลังในตอนนี้ คุณยังสามารถวาดโน้ตหรือลูกศรเพื่อระบุการเคลื่อนไหว
-
บทสนทนา
ใต้ช็อตนั้น ให้จดสิ่งที่ต้องพูดในช็อต ความยาวของช็อตที่เสนอ และเอฟเฟกต์ใดๆ (ซูมเข้า กล้องสั่น ฯลฯ)
ขั้นตอนที่ 4 นำเข้ากระดานเรื่องราวของคุณลงในโปรแกรมสร้างภาพยนตร์ โดยบันทึกแต่ละเฟรมแยกกัน
เมื่อคุณวางแผนการถ่ายภาพแล้ว ให้นำเข้าภาพเหล่านั้นลงในคอมพิวเตอร์ของคุณ อย่าลืมตั้งชื่อให้ถูกต้อง (เช่น Act1. Scene1. Shot1.jpg) เมื่อเสร็จแล้ว ให้นำเข้าทั้งหมดลงในซอฟต์แวร์ตัดต่อภาพยนตร์ของคุณ (iMovie, Windows Movie Maker, Final Cut Pro, Adobe AfterEffects เป็นต้น) และจัดเรียงตามลำดับที่ถูกต้อง
Adobe AfterEffects หรือ Premier ถือเป็นมาตรฐานอุตสาหกรรม แต่คุณสามารถใช้โปรแกรมใดก็ได้ที่คุณสะดวกที่สุด
ขั้นตอนที่ 5. ใช้กระดานเรื่องราวของคุณเพื่อสร้างสไลด์โชว์ตามกำหนดเวลาหรือเป็นแอนิเมติก
แอนิเมชั่นเป็นแอนิเมชั่นที่ตัดต่อคร่าวๆ -- พวกมันใช้จังหวะและจังหวะของช็อตสั้นร่วมกัน และช่วยให้คุณได้จังหวะที่ถูกต้องสำหรับช็อตสุดท้ายของคุณ ฟังดูซับซ้อน แต่จริงๆ แล้วเป็นเพียงสไลด์โชว์ที่มีจังหวะเวลาที่เหมาะสม จัดเรียงรูปภาพของสตอรีบอร์ดในซอฟต์แวร์ตัดต่อของคุณ และขยาย ตัด และเล่นกับมันจนกว่าคุณจะได้ภาพตัดต่อที่ "หยาบ" ของภาพยนตร์เรื่องสุดท้าย
- คุณสามารถหาตัวอย่างแอนิเมชั่นออนไลน์ได้ เช่น แอนิเมชั่นสำหรับมิวสิกวิดีโอ "Feel Good Inc" เช่นเดียวกับแอนิเมชั่นของ Pixar
- ภาพยนตร์แอนิเมชั่นเกือบทั้งหมดสร้างเป็นแอนิเมชั่นก่อน มิฉะนั้น คุณอาจเสี่ยงที่จะใช้เวลาหลายชั่วโมงในการสร้างแอนิเมชันฉากที่ต้องเปลี่ยนแปลง ยาวขึ้นหรือสั้นลง หรือถูกลบ
ขั้นตอนที่ 6 เพิ่มกล่องโต้ตอบและเอฟเฟกต์เสียงและปรับเวลาของแอนิเมชั่นตามต้องการ
เมื่อคุณกำหนดเวลาคร่าวๆ ได้แล้ว ก็ถึงเวลาบันทึกกล่องโต้ตอบล่วงหน้า สิ่งนี้ไม่จำเป็นต้องสมบูรณ์แบบ และคุณยังสามารถปลอมเอฟเฟกต์เสียงด้วยปากและมือของคุณได้หากต้องการ สิ่งที่สำคัญคือเวลา คุณมีเวลาเพียงพอใน "การยิง" เพื่ออธิบายคำศัพท์ทั้งหมดหรือไม่? ขยายหรือย่อความยาวของสไลด์ตามความจำเป็น
ยิ่งคุณทำให้บทสนทนาสมบูรณ์แบบได้มากเท่าไหร่ ก็ยิ่งดีเท่านั้น เนื่องจากการแสดงเสียงที่ดีส่วนใหญ่ต้องใช้เวลาที่เหมาะสม ที่กล่าวว่าตอนนี้ไม่ใช่เวลาที่จะต้องกังวลเกี่ยวกับรายละเอียดปลีกย่อยของการแสดงเสียง คุณต้องรวมแอนิเมชั่นของคุณเข้าด้วยกันก่อนที่จะดำเนินการผลิตเต็มรูปแบบ
เคล็ดลับจากผู้เชี่ยวชาญ
Melessa Sargent
Film Producer Melessa Sargent is the President of Scriptwriters Network, a non-profit organization that brings in entertainment professionals to teach the art and business of script writing for TV, features and new media. The Network serves its members by providing educational programming, developing access and opportunity through alliances with industry professionals, and furthering the cause and quality of writing in the entertainment industry.
Melessa Sargent
Film Producer
Take some extra time in the editing phase to fine tune your timing
Since a short film is only about 15 minutes, everything has to be on point, from the writing to the voice of the character to the location.
ขั้นตอนที่ 7 ทบทวนแอนิเมชั่นของคุณราวกับว่าเป็นภาพยนตร์เรื่องสุดท้าย
แอนิเมชั่นสุดท้ายควรบอกเล่าเรื่องราวทั้งหมดในภาพยนตร์ของคุณ ลบด้วยสี พื้นหลัง และรายละเอียด
หากคุณมีความรู้เกี่ยวกับการตัดต่อวิดีโอ คุณสามารถเพิ่มการแพน การซูม และการเปลี่ยนภาพได้ทันทีเพื่อทดสอบก่อนที่จะแก้ไขขั้นสุดท้าย
ขั้นตอนที่ 8 พิจารณาซื้อแท็บเล็ต
แท็บเล็ตคือแผ่นรองคอมพิวเตอร์ขนาดเล็กที่มาพร้อมกับปากกาอิเล็กทรอนิกส์ ช่วยให้คุณ "วาด" ลงในคอมพิวเตอร์ได้โดยตรง แทบจะเป็นไปไม่ได้เลยที่จะวาดภาพด้วยเมาส์ให้ดี และถ้าคุณไม่ได้วางแผนเกี่ยวกับโปรเจ็กต์เล็กๆ หรืองานสต็อปโมชัน คุณจะต้องมีแท็บเล็ตอย่างแน่นอน
วิธีที่ 2 จาก 3: การสร้างแอนิเมชั่นภาพยนตร์ของคุณ (การผลิต)
ขั้นตอนที่ 1 กำหนดสื่อแอนิเมชั่นของคุณ
โดยปกติจะขึ้นอยู่กับความเชี่ยวชาญและฮาร์ดแวร์ของคุณ ตัวอย่างเช่น เป็นเรื่องยากมากสำหรับมือใหม่ที่ใช้คอมพิวเตอร์รุ่นเก่าในการสร้างแอนิเมชั่น 3 มิติ เช่น Pixar มีซอฟต์แวร์และรูปแบบแอนิเมชั่นมากมาย และทั้งหมดนั้นมีความสลับซับซ้อนและเทคนิคเฉพาะของซอฟต์แวร์
-
แอนิเมชั่น 2 มิติ:
นี่คือการ์ตูนคลาสสิก รูปลักษณ์ที่วาดด้วยมือ ตัวละครเป็นภาพวาดเส้นแบน เดิมทีมันถูกวาดทีละเฟรม แต่ตอนนี้มีซอฟต์แวร์หลากหลายที่ทำให้กระบวนการเร็วขึ้นมาก เช่น Synfig, Pencil2D, ToonBoom หรือแม้แต่ Adobe Photoshop ตามเนื้อผ้า คุณใช้ภาพวาด 12-24 ภาพต่อวินาทีของฟิล์ม
-
แอนิเมชั่น 3 มิติ:
เช่นเดียวกับโมเดลที่ใช้ในวิดีโอเกมและภาพยนตร์เช่น Toy Story และ Shrek แอนิเมชั่น 3 มิตินั้นยากที่จะเชี่ยวชาญ คุณสร้างแบบจำลองของตัวละครและการเคลื่อนไหวของโค้ดเข้าไป ทำให้แอนิเมชั่น 3 มิติเป็นเหมือนศิลปะ/การเขียนโค้ดไฮบริด คุณต้องเพิ่มแสงและพื้นผิวด้วย ซอฟต์แวร์ 3D สามารถใช้ได้ แต่ใช้เวลานานและต้องใช้ซอฟต์แวร์ เช่น AutoDesk, Poser Pro, Aladdin หรือ Sketchup แอนิเมชั่น 3 มิติส่วนใหญ่เป็นผลมาจากการทำงานร่วมกันเป็นทีมขนาดใหญ่
-
สต็อปโมชั่น:
ง่าย ๆ ที่ใคร ๆ ก็ทำได้ สต็อปโมชั่นคือเมื่อคุณใช้ฟิกเกอร์หรือภาพวาดในชีวิตจริง แล้วถ่ายภาพหลังจากการเคลื่อนไหวเล็กๆ ทุกครั้ง เมื่อภาพถูกเล่นกลับด้วยความเร็วสูง จะดูเหมือนมีการเคลื่อนไหว อย่างไรก็ตาม มันใช้เวลานานอย่างเหลือเชื่อ เนื่องจากคุณต้องการฟุตเทจมากกว่า 12 ภาพต่อวินาทีเพื่อให้ดูราบรื่น คุณสามารถใช้คัตเอาท์ โมเดลดินเหนียว ภาพวาดเดี่ยว หรือคนจริงเพื่อสร้างมันขึ้นมา
-
โรโตสโคป:
รูปแบบเฉพาะของแอนิเมชั่นที่พบในภาพยนตร์อย่าง A Scanner Darkly การโรโตสโคปคือการสร้างแอนิเมชั่นเหนือภาพยนตร์ที่ถ่ายทำตามอัตภาพ คุณจะต้องใช้แท็บเล็ต และคุณจะต้องผ่านวิดีโอทีละเฟรม โดยใช้วิดีโอสดเป็นแนวทางในการวาดตัวละคร ผลลัพธ์ที่ได้คือลุคที่ดูสมจริงแต่ยังคงเคลื่อนไหวได้
ขั้นตอนที่ 2. วาดภูมิหลังของคุณ
เริ่มต้นด้วยการตั้งค่าของคุณ เนื่องจากตัวละครจะซ้อนทับอยู่ พื้นหลังควรเป็นทุกอย่างที่ตัวละครไม่มีปฏิสัมพันธ์ด้วย เพราะทุกสิ่งที่เคลื่อนไหวจะต้องเคลื่อนไหวได้ พื้นหลังควรเป็นรูปวาดขนาดใหญ่และสแกนด้วยความละเอียดสูง ซึ่งจะทำให้คุณสามารถ "ซูมเข้า" ในบางส่วนได้โดยไม่มีการบิดเบือน ตัวอย่างเช่น หากคุณมีตัวละครสองตัวกำลังคุยกันอยู่ในร้านกาแฟ คุณต้องการวาดทั้งร้านกาแฟที่อยู่ข้างหลังพวกเขา แต่คุณอาจต้องการให้ "กล้อง" โฟกัสไปที่ตัวละครแต่ละตัวในขณะที่พวกเขาพูดเป็นรายบุคคล แทนที่จะวาดพื้นหลังใหม่ คุณสามารถคัดลอกและวางส่วนเล็กๆ ของพื้นหลังโดยละเอียดสำหรับ "ภาพระยะใกล้" ได้
ขั้นตอนที่ 3 ร่าง สร้างแบบจำลอง หรือออกแบบ "ท่าสำคัญของคุณ
" ท่าโพสสำคัญของตัวละครของคุณหรือการกำหนดการกระทำที่แต่ละคนทำในฉากคืออะไร? คิดว่าสิ่งเหล่านี้เป็น "จุดหมาย" ของการเคลื่อนไหวแต่ละส่วน ใช้ตัวอย่างเช่นตัวละครที่คดเคี้ยว คุณสามารถแบ่งสิ่งนี้ออกเป็น "ท่าสำคัญ" สามท่า ซึ่งแต่ละท่าจะต้องวาดและบันทึกไว้แยกกัน
- ท่าสำคัญ 1 = พักผ่อน มันอาจเป็นใบหน้าของความประหลาดใจ ความโกรธ หรือความมุ่งมั่น หรือเพียงแค่ตัวละครที่มีมืออยู่ข้างๆ
- Key Pose 2 = ไขลาน ตัวละครเหวี่ยงแขนกลับอย่างไร? อย่าเพิ่งกังวลกับการเคลื่อนไหวเพื่อไปยังตำแหน่งนี้ เพียงดึงพวกเขาด้วยแขนหลังและพร้อมที่จะปล่อย
- Key Pose 3 = การติดตาม ตัวละครจะจบลงที่ไหนหลังจากชก? แขนของพวกเขาจะถูกเปิดเผยและร่างกายของพวกเขาน่าจะตามมา อีกครั้ง คุณต้องการท่าโพสท่าสุดท้าย ไม่ใช่เฟรมขณะมือผ่านไป
- ยิ่งคุณวาดท่าทางที่สำคัญมากเท่าไหร่ การเคลื่อนไหวก็จะยิ่งซับซ้อนมากขึ้นเท่านั้น ตัวอย่างเช่น คุณสามารถเพิ่มคีย์เฟรมที่ทำให้ตัวละครดูตกใจ พุ่งเข้าใส่ ปล่อยศอก เหวี่ยงแขน ต่อย แล้วหมุนไปรอบๆ ตามผ่าน
ขั้นตอนที่ 4 วาดเฟรม "ระหว่าง"
ยกตัวอย่างการชก คุณจะเปลี่ยนจากคีย์หนึ่งไปอีกคีย์ได้อย่างไร? มีซอฟต์แวร์ขั้นสูงบางอย่างที่จะทำสิ่งนี้ให้กับคุณ เมื่อคุณสร้างโมเดลตัวละครแล้ว ซอฟต์แวร์จะ "แสดง" การเคลื่อนไหวระหว่างคุณ อย่างไรก็ตาม หากคุณเพิ่งเริ่มใช้งาน คุณจะต้องวาดกรอบของคุณเองด้วยมือ ยิ่งคุณวาดเฟรมมากเท่าใด การดำเนินการก็จะยิ่งราบรื่นขึ้นเท่านั้น
- สามารถช่วยวางคีย์เฟรมบนหน้าจอเป็นแนวทางได้ วิธีนี้จะช่วยให้คุณเห็นว่าคุณต้องหาตัวละครที่ไหนและเริ่มต้นที่ไหน
- ถ้ามีอะไรไม่ขยับก็ไม่ต้องวาดใหม่ คัดลอกและวางคีย์เฟรม ลบส่วนที่จำเป็นต้องย้าย และเก็บทุกอย่างอื่นไว้ที่เดิม
ขั้นตอนที่ 5. ประกอบภาพ
การทำปุ๋ยหมักเป็นเพียงวิธีแฟนซีในการอธิบายการร้อยภาพยนตร์เข้าด้วยกัน ซึ่งอาจทำได้ง่ายเพียงแค่สั่งเฟรมทั้งหมดสำหรับสต็อปโมชันหรือซับซ้อนพอๆ กับการแสดงโมเดล 3 มิติด้วยการจัดแสงที่แม่นยำ อีกครั้ง วิธีการสร้างแอนิเมชันของคุณจะกำหนดวิธีการประกอบบางสิ่ง:
- สำหรับแอนิเมชั่น 2 มิติ การจัดองค์ประกอบภาพคือการทำให้การเคลื่อนไหวดูราบรื่น ซอฟต์แวร์อย่าง ToonBoom จะทำสิ่งนี้ให้คุณ และอาจเรียกได้ว่า "การแสดงผล"
- สำหรับแอนิเมชั่น 3 มิติ โปรดทราบว่าการดำเนินการนี้ใช้เวลานาน เอฟเฟกต์แสงและพื้นผิวนั้นตั้งโปรแกรมได้ยาก และแม้แต่คอมพิวเตอร์ที่เร็วที่สุดก็อาจใช้เวลาหลายชั่วโมงในการประกอบวิดีโอ
- สำหรับแอนิเมชั่นสต็อปโมชั่น คุณควรเล่นกับความยาวของเฟรม โดยปรับภาพโดยหนึ่งในสิบหรือร้อยวินาทีเพื่อให้ได้การเคลื่อนไหวที่ราบรื่นและลื่นไหล
วิธีที่ 3 จาก 3: จบภาพยนตร์ของคุณ (หลังการผลิต)
ขั้นตอนที่ 1 บันทึกบทสนทนาใด ๆ สำหรับภาพยนตร์สุดท้าย
เมื่อคุณมีแอนิเมชั่นที่เกือบเสร็จแล้ว ก็ถึงเวลาปรับแต่งเสียงร้องให้ถูกต้อง นักพากย์ของคุณสามารถเห็นฉากสุดท้าย การแสดงออกของตัวละคร และเวลาที่คุณต้องการในช็อตสุดท้าย ซึ่งช่วยให้พวกเขา (หรือคุณ) สามารถแสดงเสียงร้องได้ดีที่สุด
โปรดทราบว่า ณ จุดนี้ การเปลี่ยนแปลงใดๆ กับแอนิเมชันอาจใช้เวลานานมากในการดำเนินการ นี่คือเหตุผลที่ว่าทำไมการผลิตล่วงหน้าอย่างระมัดระวังจึงเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับภาพยนตร์แอนิเมชั่นทุกความยาว
ขั้นตอนที่ 2 เพิ่มเอฟเฟกต์เสียงตามความเหมาะสม
เอฟเฟกต์เสียงควรอยู่หลังผู้ให้เสียง และปรับเสียงให้เหมาะสมโดยที่เสียงจะไม่กระทบการโต้ตอบ แน่นอนว่ามีข้อยกเว้นบางประการสำหรับกฎนี้ ตัวอย่างเช่น หากมีการระเบิดที่ตัวละครต้องตอบโต้ อาจเป็นการดีที่สุดที่จะใส่มันเข้าไปก่อน ก่อนบันทึกไดอะล็อก สิ่งนี้ช่วยให้นักแสดงมีปฏิกิริยาตอบสนอง
การผสมเสียงเป็นรูปแบบศิลปะที่สำคัญและละเอียดอ่อน ลงทุนซื้อหูฟังและ/หรือลำโพงดีๆ สักคู่เพื่อปรับระดับเสียงทั้งหมดให้ถูกต้อง
ขั้นตอนที่ 3 ตัดฟิล์มเป็นนิมิตสุดท้ายของคุณ
ตอนนี้คุณมีหนังทั้งเรื่องด้วยกันแล้วมันจะเป็นอย่างไร? มีโอกาสที่ช่วงการเปลี่ยนภาพบางส่วนจะรู้สึกอึดอัดและมีฉากหนึ่งหรือสองฉากนานกว่าที่ควรจะเป็น เช่นเดียวกับที่คุณจะตัดต่อภาพยนตร์ไลฟ์แอ็กชัน คุณต้องเพ่งสายตาวิพากษ์วิจารณ์ผลงานแอนิเมชั่นของคุณและขัดเกลามันจนเป็นประกาย แม้ว่าจะไม่มีวิธีที่ "ถูกต้อง" ในการตัดต่อภาพยนตร์ แต่ก็มีหลักการสองสามข้อที่ควรคำนึงถึง:
- มีฉากไหนที่รู้สึกว่ารวดเร็วและจำเป็นหรือไม่? คุณรู้สึกมีส่วนร่วมตลอดเวลาหรือไม่? เส้นหรือช็อตเฉพาะช่วยย้ายเรื่องราวหรือธีมไปพร้อมกันหรือไม่ หากคำตอบสำหรับคำถามเหล่านี้คือไม่ ให้เริ่มตัดแต่ง บ่อยครั้งที่บทสนทนาบรรทัดแรกและบรรทัดสุดท้ายไม่จำเป็น เนื่องจากการกระโดดเข้า/ออกจากฉากโดยตรงมักจะน่าดึงดูดใจมากกว่า ทุกเฟรมมีค่าเมื่อแก้ไข
- ดูหนังกับคนที่อยู่ไกลจากโครงการ มีส่วนที่เบื่อไหม? มีอะไรทำให้พวกเขาสับสนหรือต้องการเวลามากกว่านี้ไหม คุณจะตัดและตัดแต่งเรื่องราวของคุณให้น่าสนใจได้อย่างไร
- ฉากจะไหลมารวมกันได้อย่างไร? บางครั้ง 2-3 วินาทีของภาพเบื้องหลังจะช่วยให้ผู้ดูได้พักหายใจและดำดิ่งลงไปในฉากต่อไปก่อนที่บทสนทนาจะเริ่มขึ้น
ขั้นตอนที่ 4 เพิ่มสัมผัสการขัดเงาของคุณ เช่น เอฟเฟกต์ การเปลี่ยนภาพ และการแก้ไขสี
ตัวอย่างเช่น หากคุณต้องการสีซีเปียแบบย้อนยุคให้กับภาพยนตร์ของคุณ ให้เพิ่มสีสุดท้ายเข้าไป การเปลี่ยนแปลงเล็กๆ น้อยๆ เหล่านี้ไม่จำเป็นในขณะที่คุณตัดแต่ง ตัดต่อ และสร้างภาพยนตร์ของคุณ ยิ่งไปกว่านั้น พวกมันจะไร้ประโยชน์หากคุณตัดฉากหรือเปลี่ยนโทนสี สัมผัสนาทีทั้งหมดเหล่านี้ต้องมาก่อนเมื่อคุณแน่ใจว่า "เนื้อ" ของภาพยนตร์เสร็จแล้ว
- เพิ่มผ้าเช็ดทำความสะอาด ละลาย หรือจางลงในการเปลี่ยนฉาก
- เพิ่มฟิลเตอร์หรือเอฟเฟกต์บนฟุตเทจที่เสร็จแล้ว
- เพิ่มชื่อและเครดิตที่จุดเริ่มต้นและจุดสิ้นสุดตามความจำเป็นในตอนท้าย
วิดีโอ - การใช้บริการนี้ อาจมีการแบ่งปันข้อมูลบางอย่างกับ YouTube
เคล็ดลับ
- ทำงานเป็นส่วนเล็กๆ เพื่อให้ได้ผลลัพธ์ที่ดีที่สุด เช่น ฉาก แอ็กชัน ฯลฯ - แล้วสร้างมันขึ้นมาด้วยกันในภายหลัง
- ใช้เวลาของคุณในขั้นก่อนการผลิต จะช่วยประหยัดอาการปวดหัวได้มากในภายหลัง
- สร้างฟิล์มทดสอบ ไม่เกิน 20-30 วินาที หากคุณเพิ่งเริ่มด้วยซอฟต์แวร์ใหม่ สิ่งนี้จะช่วยให้คุณเรียนรู้โปรแกรมและความท้าทายก่อนที่จะดำดิ่งสู่วิสัยทัศน์ของคุณ